El Jazz

 

En este tema vamos a conocer un estilo de música, el jazz, tan importante, que podemos decir hoy día que el jazz nutre a toda la música popular del siglo XX. Es decir, que todos los sonidos que nos rodean en la música de consumo de nuestra época se originan en el jazz.
El jazz es, por encima de cualquier otra cosa, improvisación, vida, expresividad, evolución constante.
El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi: brota de las manos del pianista de algún bar, o en medio de los miembros de una banda de músicos que tocan por las calles de Chicago. El jazz es también la melodía que brota de un clarinete o de un saxo, que exalta a la vida, y es también una oración a Dios.

ORÍGENES DEL JAZZ:
El jazz nació en Estados Unidos a partir del encuentro de dos culturas musicales muy diferentes, la europea y la africana. La música europea llegó a través los colonos blancos que desde finales del siglo XVII empezaron a establecerse en el norte de América. Como estos colonos llevaron a la fuerza al Nuevo Continente a los esclavos africanos como mano de obra de las plantaciones, la música de éstos también entró en América. A pesar de las difíciles condiciones de vida que se encontraban los esclavos de origen africano en el nuevo continente, la música siempre estuvo presente en sus vidas:

–  Las worksongs o canciones de trabajo, que entonaban “a capella” para sobrellevar la monotonía y dureza de las tareas del campo. Tenían un ritmo muy marcado para acompañar el trabajo y solían tener el patrón de “pregunta-respuesta” característico de la música africana, a menudo con el formato “solista-coro”.

– El gospel o canciones espirituales, que se cantaban los domingos en sus iglesias cristianas también “a capella” y alternando coro-solista.

– La música de baile que tocaban los esclavos en sus días libres, cuando se reunían para comer y divertirse al son de los tambores.
 Este repertorio africano se fue mezclando con el tiempo con los elementos propios de la música europea, y dieron lugar a estilos como el ragtime y el blues.

RAGTIME: El ragtime era una música para piano que se basaba en un ritmo cruzado, es decir, la mano izquierda iba marcando un ritmo uniforme, como de marcha, mientras la derecha realizaba ritmos sincopados, como a contratiempo.  

Scott Joplin fue su principal representante y compuso ragtimes tan famosos como “The Entertainer” o “Maple Leaf Rag”.

Seguro que lo habéis escuchado alguna vez. Fijaos en el siguiente vídeo cómo la mano izquierda lleva un ritmo constante mientras la derecha va acompañando con otro distinto.

Esta escena pertenece a la película “Scott Joplin” de 1977. Asistimos a un duelo de pianistas interpretando ragtime 😉 

BLUES:  El Blues era un tipo de música triste y desgarrada, que cantaban los esclavos cuando echaban de menos su tierra, viendo que la situación no tenía remedio.  Es una fusión de los cayos del trabajo y los espirituales.

Se puede decir que el blues es la manera más sencilla de hacer jazz. Antes de 1900, el músico de blues no tenía en cuenta el número de compases que duraba un acorde; lo que más le importaba era transmitir emoción subiendo la tonalidad,  haciendo un tipo de grito de falsete llamado holler o por medio de la letracargada de ironía, tragedias cotidianas o frases burlonas. Pero a partir de 1900 se hicieron populares los blues más metódicos, basados en la rueda de acordes.

La rueda de acordes del blues se basa en una serie de doce acordes que se repiten siempre en el mismo orden. Algunos músicos profesionales pueden introducir algunas variaciones intercalando otros acordes o utilizando notas añadidas, sin embargo siempre respetan esta misma estructura:

I – I – I –  I – IV – IV – I – I – V – IV – I – I

Se caracteriza por el uso de las notas de blues (notas “desafinadas” que producen una sensación de inestabilidad armónica característica de este estilo). Bessie Smith fue la cantante más popular de este estilo de los años 20 y 30 del siglo XX.

En los años 50 el blues evolucionó dando origen al rock´n´roll.

 

CARACTERÍSTICAS:
Ahora bien, aunque tiene su origen en el pueblo negro americano, el jazz ha sobrepasado todas las barreras sociales y culturales como demuestra el hecho de que hoy día se pueden encontrar músicos de jazz en cualquier lugar del planeta.

Así pues, una de las características más importantes del jazz es su universalidad : es una música democrática que constituye el legado de todo un pueblo. Si bien es cierto que sus orígenes son humildes y que se desarrolló inicialmente en Norteamérica gracias a artistas de raza negra que prácticamente acababan de ser liberados de la esclavitud, no lo es menos que, con el andar del siglo XX, se fue convirtiendo en una música universal que nunca renunció a continuar expresando la libertad, el talento o la identidad.
Otra característica importante del jazz es la improvisación : el intérprete está creando cuando actúa, no está leyendo una partitura como pasaría en la música clásica. Esto hace que dos versiones distintas de un mismo tema, sean dos temas diferentes. El jazz es también una música que admite e incluso necesita la participación activa del público, y no sólo su atención pasiva.

El músico de jazz parte de un tema musical y crea a partir de éste su propia versión: cuando un tema se ha hecho tan popular que ha sido versionado muchas veces, se conoce como estándar.

Es interpretado por grupos reducidos de músicos o bandas que se organizan en una sección melódica (trompetas, trombones, saxofones y clarinetes) y otra rítmica (piano, contrabajo, tuba, batería y guitarra).

Del jazz se dice que tiene “swing”, una sensación rítmica peculiar que nos envuelve desde su primera escucha, lo mismo que decimos que el flamenco tiene “duende”.

ETAPAS DEL JAZZ:
Vamos a estudiar ahora la evolución del jazz a lo largo del tiempo, desde sus orígenes a finales del siglo XIX, hasta nuestros días. Distinguiremos 6 etapas:

1. Los años de formación: 1900-1917.

A principios del siglo XX los músicos de jazz empezaron a improvisar realmente, creando melodías con gran fuerza expresiva y  “tempos” cada vez más rápidos: a esos pasajes se les llamó solos.

 

 

Nueva Orleans, en el estado de Louisiana, fue el primer hogar de los músicos de jazz, sobre todo en los locales del barrio de Storyville, el barrio de las prostitutas, donde los músicos improvisaban su música y tocaban al piano el mencionado ragtime que hizo furor en estos años.

 

 

2. El estilo Chicago: 1917-1929. El Dixieland.
En 1917 la policía cerró el barrio de Storyville y los músicos emigraron de Nueva Orleans al norte en busca de trabajo y mejores condiciones sociales. Se establecieron principalmente en las ricas ciudades industriales de Chicago y Nueva York. Ésta fue la primera expansión del Jazz.

Los músicos se fueron agrupando en bandas famosas que contaban ya con músicos legendarios. En estas bandas la corneta o trompeta llevaba el peso de la melodía y se da gran importancia a los solos improvisados. Utilizaban tambores y técnicas de banda militar: tiempo binario de marcha en el bombo y la caja y pocos platillos. Tocaban en bailes, desfiles, excursiones por el río y funerales. Los pianistas, en cambio, tocaban en los perfumados salones de los burdeles, forrados de terciopelo y sembrados de candelabros.

Así, de esta época es el famoso Louis Armstrong, apodado “satchmo” (boca de saco), trompetista y cantante de fama universal (recordamos la famosa “Oh, when the saints…) así como el pianista Count Basie.

3. Jazz Clásico: 1929-1945
El jazz de Chicago se había hecho muy famoso entre la población blanca así que en estos años se formaron grandes bandas de músicos llamadas big bands , orquestas profesionales que adoptaron algunos conceptos de los músicos blancos, como el de leer partituras arregladas de antemano, tener un director en la orquesta y que interpretaban arreglos oponiendo secciones orquestales a solos individuales improvisados. Algún crítico musical dice que con estas grandes orquestas se “desvirtuó”  esta  un poco el origen improvisatorio de este tipo de música. Aun así, en esta época el jazz alcanzó un elevado nivel con solistas de renombre internacional, como el pianista Duke Ellington, para muchos el más grande talento de la historia del jazz, el clarinetista Benny Goodman y las cantantes Billie Holiday y Ella Fitzgerald.

Aquí tenéis a la gran Billie Holiday cantando “Strange Fruit”, quizás la primera canción que influyó de verdad en el gran público. La letra de Strange fruit tiene solo tres estrofas, profundas, dolientes:

“De los árboles del sur cuelga una fruta extraña.

 Sangre en las hojas, y sangre en la raíz. 

Cuerpos negros balanceándose en la brisa sureña. 

Extraña fruta cuelga de los álamos.

Escena pastoral del valiente sur. 

Los ojos saltones y la boca retorcida.

 Aroma de las magnolias, dulce y fresco. 

Y el repentino olor a carne quemada.

Aquí está la fruta para que la arranquen los cuervos.

 Para que la lluvia la tome, para que el viento la aspire,

para que el sol la pudra, para que los árboles lo dejen caer.

Esta es una extraña y amarga cosecha”.

Se trata de un poema de un profesor (blanco) de origen judío, Abel Meeropol, que se inspiró para escribirlo en una cruda fotografía de los cuerpos de Thomas Shipp y Abram Smith, ambos negros, colgados macabramente de un árbol con la ayuda de una cuerda. Fruta extraña.

Entre 1939 y 1945 se desarrolló el swing, un estilo de ritmo bailable y animado, interpretado por grandes bandas, como la del compositor, trombonista y director de orquesta Glenn  Miller. Aquí tenéis el ejemplo:

4. Jazz Moderno: 1945- años 60. El Bebop.
El jazz clásico y el “swing” habían apartado al jazz de sus orígenes y lo habían descargado de sus espontaneidad y de su carga de propuesta. Tras la Segunda Guerra Mundial surgió un nuevo estilo, llamado bebop que otra vez buscaba la improvisación y hacía una música mucho más compleja que el estilo anterior. Además estaba ligado a movimientos artísticos e intelectuales y tenía una enorme fuerza y carga de protesta racial y social. Es a partir de este estilo cuando el jazz es sinónimo de música para una minoría culta, concepto que arrastramos un poco hasta hoy día. El principal representante de este estilo bebop -y casi podríamos decir su creador en solitario- fue el saxofonista Charlie Parker, apodado Bird, pájaro, pero también debemos destacar, entre otros muchos genios, al trompetista Dizzie Gillespie.

Aquí tenéis un ejemplo de Be-bop: Hot House por Charlie Parker y Dizzie Gillespie

5. Desde los años 60: Postbop.
A finales de la anterior época que acabamos de ver, alrededor de la década de los 60,  el jazz estaba perdiendo su carácter de música popular por excelencia debido a dos razones principales: la entrada de la música pop rock en los años 60, con el consiguiente cambio en los gustos juveniles, y la propia evolución interna del jazz, que cada vez se estaba alejando más de lo que se llevaba en la época y era cada vez más para minorías.

 

El jazz continuó experimentando con la forma, el ritmo, la tonalidad…y así surgió el postbop, un estilo de corte intelectual y abstracto, con el que sobresalieron el saxofonista John Coltrane, el trompetista Miles Davis y el pianista Bill Evans. 

 

 

“So what” con Miles Davis:

6. Desde los años 70: Jazz Fusión
A partir de los años 70 el jazz se ha adentrado en una época donde las principales tendencias son la de fusionarse con otros estilos como el rock, el funk, la música electrónica, la música clásica, los ritmos latinos y el flamenco. Ejemplos de esta fusión son los pianistas Chick Corea, Chano Domínguez o Jacques Loussier y los saxofonistas Pedro Iturralde y Jorge Pardo.

Aquí tenéis un ejemplo de lo bien que “fusiona” la música clásica con el jazz: Jacques Loussier interpretando el “Aria de la Suite núm. 3” de J.S.Bach.

 También en los años 90 se ha asistido a una especie de resurrección del estilo “swing”, o sea de revivir las big bands, esas grandes orquestas, a lo que se le ha llamado “retro-swing”. La principal figura de esta época actual es el trompetista Winton Marsalis

Hoy día podemos considerar al jazz como a la música clásica , “una música para una minoría cultivada ”. Hay quien ha definido al jazz como “la música clásica negra”.

LOS INICIOS DE LA MÚSICA POPULAR MODERNA

Debemos señalar que, junto al jazz, hubo dos estilos musicales más en Norteamérica que fueron la base de la música popular urbana. Estos estilos serían el country y el rhythm & blues.

El Country

Este estilo surgió en la década de 1920 fruto de la combinación de la música traída por los colonos ingleses, escoceses y sobre todo irlandeses, con algunos elementos del blues y el gospel. Es una música de melodía sencilla y bailable, cuyas letras relatan la vida de los cowboys y suelen acompañarse con banjos, violines, acordeones, guitarras y armónicas.

The Carter Family y Jimmie Rodgers fueron sus fundadores, siendo además los primeros en grabar en disco una canción country.  Ambos influyeron con sus respectivos estilos a numerosos cantantes que les sucedieron.

 En la década de 1950, la música country adquirió elementos del rock and roll (con Johnny Cash, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Bill Haley o Buddy Holly), género que por aquel entonces vivía un enorme auge, y que aportó ritmos y melodías más desarrolladas. Hoy día se pueden escuchar toda clase de variantes del country, pero el que se combina con el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el gran público. 

La película Walk the line (2005) cuenta la vida de Johnny Cash y su mujer June Carter. 

El Rhythm and Blues

El R&B es el nombre que recibió la música popular afroamericana que tuvo su origen en EE. UU. en los años 1940. Era una música basada en el jazz, movida, urbana y con un ritmo insistente. 

Constituyó la base musical para el desarrollo del rock and roll y era interpretado por un cantante que destacaba sobre un acompañamiento uniforme, generalmente de piano, guitarra eléctrica, bajo, batería, saxofón y coros.

John Lee Hooker (1912-2001) fue uno de sus precursores:

Fijaos cómo hace la percusión con los zapatos… En 1980, apareció en la película The Blues Brothers, interpretando el tema Boom Boom en un suburbio.

 

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